Vous avez toujours voulu visiter le MoMa, le Tate Britain, le Château de Versailles (et plus encore!), mais cela ne vous adonne pas de faire le tour du monde et de visiter ces endroits? Google  a trouvé la solution: voici le Google Art Project.Une véritable petite mine d’or! Dans une optique similaire à Google Street View, vous pouvez désormais parcourir les musées avec votre souris.

Autant vous pouvez parcourir le musée «à pied», autant vous pouvez voir les oeuvres en détails (informations sur l’artiste et sur l’oeuvre, s’approcher de la peinture ou de la sculpture de très près, etc.).

Bien que les oeuvres accessibles par Google Art Project restent, pour la plupart, des oeuvres classiques, vous aurez de quoi vous rincer l’oeil. Il est même possible de voir quelques oeuvres en détails à un point tel que l’on peut voir les coups de pinceaux! J’espère que ce n’est qu’une question de temps avant qu’on n’aie accès à des oeuvres plus contemporaines.

Allez-y, fouinez!

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Dernier projet photo pour la session d’automne. Ambiguïté, c’est une petite exploration avec l’eau, la couleur et la transparence.

En général, si on nous demande de photographier une vitre, les sources de lumières sont celles de la rue, de l’extérieur. Qui n’a pas vu ces images prises de l’intérieur d’une auto, un soir de pluie, avec des halos de lumières… Je me suis inspirée de ce phénomène et de cette constante en photographie pour le recréer de façon complètement calculée.

J’ai donc pris une plaque de verre (celle d’un cadre) et l’ai fixée debout, sur la plaque de notre cuisinière. J’ai amplement diffusé la lumière du fluorescent à l’arrière. Et, munie de tubes d’aquarelle et d’un vaporisateur, j’ai tracé diverses lignes de couleurs directement sur le verre et vaporisé une bruine d’eau, les faisant dégouliner de part et d’autre de la surface.

Le résultat est assez satisfaisant puisqu’il garde un aspect naturel même si notre oeil fini par constater que quelque chose cloche dans l’image. Les gouttes d’eau (et la peinture), ne descendent pas, mais montent dans l’une et descendent dans l’autre. L’aspect des gouttelettes varie également, puisqu’il y a de l’eau de chaque côté de la vitre.

Ce type d’image, souvent déprimante, gagne ainsi en gaieté avec le jeu de couleurs, tout en restant sobre dans l’ensemble.

Magnifique bijoux de métal de l’artiste australien Toby Jones. Des objets attachants, empreints de notre quotidien, de nos souvenirs.

Il faut que j’avoue que j’ai un énorme coup de coeur pour celui-ci, en forme d’allumette…!

via We are selecters

Petit projet de photo relativement simple : voici l’intérieur d’un kaléidoscope.

Nous avions comme contrainte de prendre un artiste connu et de faire une série de photographies faisant référence (de près ou de loin) à l’une de ses oeuvres. J’ai fait ni une ni deux et choisi Damien Hirst, avec sa très belle et très controversée série Superstition (fouinez là-dessus si vous ne connaissez pas cette série!). Sans avoir à décapiter de papillons ni faire de vitraux d’église, j’y ai été beaucoup plus simple et rappelé ce monde de couleurs et de symétries avec l’intérieur d’un kaléidoscope.

Une petite lumière DEL (vous savez, sur les porte-clé-lampe-de-poche…) placé à l’extérieur du kaléidoscope aide à révéler tout le détail de l’intérieur et crée un effet assez joli et différent de ce que l’on voit habituellement à l’oeil nu.

Réalisé avec David à l’aide du matériel photo de Yan, pendant un bel après-midi relax chez nos hôtes Yan et Célia. Merci à vous deux!

Pour voir la série complète (15 images), visitez notre compte Flickr!

Pour ceux que ça intéresse, voici les méthodes et les diverses étapes de mon travail pour mon installation. Ce travail a été fait à temps partiel sur une durée de 3 semaines, avec beaucoup d’amour.

J’ai toujours été une grande admiratrice des vitrines des magasins Anthropologie. C’est le meilleur exemple pour démontrer qu’il est possible de créer des éléments tellement beaux et complexes avec des matériaux tellement anodins et économiques que nous n’aurions jamais pensé les utiliser dans une oeuvre. Et étant donné mes ressources économiques assez limitées, je me suis creusée la tête un petit peu pour finalement aboutir avec les matériaux suivants: boîtes de conserves, lumières de Noël, tissus variés, saran wrap et papier journal.

Le lieu s’est imposé de lui-même, ayant besoin d’un espace très restreint pour le modifier complètement et se devant d’avoir beaucoup d’éléments. Ce fut donc dans une toute petite pièce derrière une cage d’escalier dans la maison familiale. La pièce est en forme de L. La partie en entrant dans la pièce est assez basse, et à l’autre extrémité, il y a l’espace de deux adultes pouvant se tenir aisément debout. Il fallait prendre en considération les obstacles que causaient le réservoir à eau chaude et l’aspirateur central.

Toutes les parois furent recouvertes de tissus très foncé, variant du vert forêt au bleu marin, en passant par le violet et le turquoise. Le plancher fut recouvert de coussins et d’un futon.

Plusieurs jeux de lumières de Noël à dominante bleu et vert furent installés sur le plafond bas et le plafond haut. Le principal attrait et source de lumière se devait d’être au plafond, voulant obtenir un aspect contemplatif tout en gardant une part de vérité (sous l’eau, la lumière provient uniquement du dessus).

Le plafond bas est comblé d’une multitudes de cônes en papier journal, diffusant la lumière de façon inégale. Le plafond haut est recouvert d’un tissu laissant passer très légèrement la lumière. En-dessous, on retrouve une «guirlande/plante synthétique» construite de plusieurs sphères de pellicule plastique accrochées les unes avec les autres, créant ainsi des branches translucides très organiques.

Devant travailler avec le métal, j’ai voulu, dès le tout début, utiliser l’aspect réfléchissant de ce matériau. Il prit la forme d’écailles métalliques (faites de boîtes de conserves), servant à illuminer l’une des parois de la pièce, tout en faisant écho au thème principal.

Des rectangles de tissus turquoise métallique sont cousus de manière à être plissés et mis les uns au-dessus des autres, créant quelques ouvertures permettant ainsi à la lumière de passer. Cela rappele vaguement les algues.

Un bouquet de tubes d’organza blanchâtre est directement inspiré d’une plante sous-marine tiré d’un ouvrage sur la vie marine en Méditérannée.

Quelques petites formes rondes et plates faites de tulle sont déposées un peu partout sur le sol de l’installation, semblable à de petits beignets, rappellant une forme de coraux tirés d’un autre livre de référence.

Trois petites sphères en silicone achetées au Dollorama sont déposées sur des lampes de poches, créant une lueur qui semble jaillir directement de la forme elle-même.

Finalement, quelques colonnes de plâtre sont déposées parmis les éléments du sol, comme le serait un stalagmite.

Du temps, du soin, du détail. Une belle expérience!

Enfin! Depuis belle lurette, j’ai voulu créer une installation immersive, et ce jour est arrivé! Le mandat le plus simple du monde (et le plus large!): avoir pour thème «l’espace» et l’interpréter comme bon nous semble. Et c’est ainsi que naquit cet univers magique, fantastique, marin. Quête de profondeurs.

Un monde réel qui est tellement différent du nôtre qu’il nous semble tiré d’un roman de fiction. Et malgré ses formes étranges, où l’homme qui s’y aventure flotte littéralement dans l’eau, il en émerge un sentiment de confort inégalé.

Le titre, Quêtes de profondeurs, a été choisi selon trois niveau niveau de lecture.

- Tout d’abord, en lien direct avec la profondeur physique illustrée par l’univers créé et qui illustre une certaine dimension spatiale.

- Ensuite par référence à la profondeur de champ, en photographie, où les objets sont distincts ou non, dépendamment de la distance. J’espère ainsi créer un espace contemplatif, où les gens pourront y scruter toutes ces formes hors du quotidien disposés sur divers plans.

- Enfin, j’espère créer une profondeur au niveau de l’esprit, puisque j’attend du spectateur d’être assez confortable et douillet dans cet espace pour vouloir s’y étendre, et vider son esprit afin d’y laisser transparaître des réflexions sur soi ou laisser submerger des souvenirs enfouis avec le temps.

D’un point de vue plus personnel, le fait que l’installation prenne vie sous un escalier fait écho à mon vécu. Ces espaces non-finis et «fourre-tout» de la maison familiale sont une véritable mine d’or pour un jeune enfant à l’imagination débordante. C’est un lieu de découvertes et d’amusements. De plus, il ressort de ces petits lieux secrets l’impression d’être dans sa bulle, dans sa forteresse… bref, d’être en plein confort et protégé de tout. Je souhaiterais que les gens utilisent cet espace autant par refuge que par plaisir.

Si vous voulez en savoir plus sur l’espace, les matériaux et les techniques, un article sur le making-of paraîtra sous peu.

Les images sont également disponibles sur notre compte Flickr.

Petite étude pour le cours de photographie, devant porter sur le ready-made.

Les deux images sont faites avec une caméra argentique. À noter que ce n’est pas un «inversé» que j’ai fait, mais réellement pris en photo la même composition sur fond blanc, à la lumière naturelle, et la seconde dans l’obscurité, avec quelques coups de flash.

[Petite mise en contexte ici] Ceux qui me connaissent sont au courant de ma manie, l’automne venue, de faire 1001 potages. Pourtant trop paresseuse pour sceller sous vide mes cannages, je les congèle… et parfois ils brisent sous la pression! Ils fendent proprement, au moins, et ce n’est pas trop grave… Bref, tout ça pour dire que j’ai choisi mes fragments de pots Masson brisés pour les placer dans une composition et les prendre en photo.

Les deux images amènent une fragilité et un contraste assez intéressants. Une expérimentation pas trop compliquée au regard, mais qui m’a demandé un temps fou en chambre noire (principalement pour l’image foncée)! Comme quoi tout projet nous pousse à nous dépasser un peu plus techniquement à chaque fois.

Pour visionner en plus grand, n’hésitez pas à consulter notre compte Flickr!

C’est le début de la série «Tape dans le dos»: mes coups de coeur des projets artistiques des étudiants de l’UQAM. Autrement, ces projets resteraient encloisonnés dans les murs de l’Université, alors pourquoi ne pas vous les partager? Je vous présente ici Gabriel Breton, avec son projet, Inimaginable.

Nous trimballons la musique un peu partout où nous allons et elle finit par faire partie de notre vie, de notre quotidien. Prenant énormément de place, notamment avec les millions d’iPod de ce monde, il est encore plus difficile aujourd’hui de s’imaginer vivre privés de cette musique portable comme il y a quelques décennies à peine. Mais à quoi ressemble la vie des gens qui, malentendants, en sont privés peu importe l’époque? Et pour quelqu’un qui, sourd depuis la naissance, n’y a jamais eu accès, comment pourrait-il comprendre ce que c’est? Inimaginable, en effet.

C’est ainsi que Gabriel a tenté, par ce propos, d’illustrer ce manque.

Des écouteurs gigantesques. Des mains qui, grâce au langage des signes, illustrent le Do, Ré, Mi, Fa, Sol, La, Si, Do. Plus les mains s’éloignent de l’écouteur, plus elle s’estompent et semblent se fondre littéralement dans le plancher. Un peu comme le son qui, plus on s’en éloigne, s’amenuise.

Intéressant et contradictoire à la fois que les signes existent pour un son qu’ils ne peuvent percevoir…

J’adore la façon qu’il a pu, à moindre coût, représenter les écouteurs. Et les vinyles qui, coupés, viennent former les coussins noirs.

Une très belle interprétation. Un beau sujet. Simple et efficace.

Bravo!

Comme certains d’entre vous le savent, je suis entrée en Arts visuels et médiatiques cet automne à l’UQAM. Voici mon premier projet – une série de photographies argentiques devant porter sur le reflet.

Je vais l’avouer tout de suite : je n’ai jamais utilisé de caméra à film de façon sérieuse et encore moins développé en chambre noire. J’ai donc eu recours à mon gourou de la photo pour des besoins techniques : David.

Nous avons monté deux installations pour optimiser la notion de reflet. La première était faite d’une vieille coiffeuse de ma mère, mise par terre, avec un miroir au-dessus. Nous avions donc quatre surfaces se faisant face, et une lumière intégrée.

La seconde installation utilise le bon vieux miroir IKEA en forme de vague, déposé sur notre cuisinière, et éclairé par le néon de celle-ci (avec du papier ciré pour diffuser la lumière). Des solutions ingénieuses et gratuites qui donnent des résultats, disons, assez agréables.

Réflexions, quelques déformations, et points de vue non conventionnels. Lunette, montre, horloge, ustensiles, trophée, cendriers en verre soufflé, vaisselle de service. Du transparent, du reluisant, du gloss. Du beau.

Pour ceux que ça intéresse, tout a été pris sur du Kodak TMAX 100 dans la Canon Elan II de David, équipée d’une 50mm 1.8 classique.

À noter que les trois dernières présentées ici ont été utilisées au final en tant que série dans le cadre de ce projet. Vous pouvez également les regarder plus grandes via notre compte Flickr.

C’est avec grand bonheur que Monsieur et Madame Gustave sont devenus les heureux récipiendaires du Grand Prix Lux 2010, catégorie Relève – Recherche personnelle pour notre série de photos L’Intime.

Comme quoi cela fait toujours un bien fou de voir que vous appréciez notre travail! Merci à tous!

Enfin! La dernière pièce de notre série La Vie ! Nous vous avons laissé Violette pour la toute fin, avec son univers de fillette.

Plasticine, coloriage, lollipops, pouliches et contes de fées pour rendre grâce à ce monde de licornes typique des petites filles.

En passant au travers des chansons-de-corde-à-danser et de-tapage-de-mains, nous avons opté pour le Violette à bicyclette indémodable avec toute la naïveté et la douceur de cet âge si pur.

Ah, et pour les connaisseurs, c’est bien Carmine qui fait un tour de cygne. Vous savez, la gardienne, dans Passe-Partout…?

Nouvelle et avant-dernière pièce de notre série La Vie! Voici la tendre enfance, celle du poupon, du bambin…

L’âge de la découverte, quoi! Un univers qui baigne dans le mignon, les animaux, et beaucoup de douceur!

Nous avons pris cette jolie comptine, qui vous a peut-être bercé dans votre tout jeune âge. «Il était un petit navire, qui n’avais ja-ja-jamais navigué….»

Même processus que dans le reste de notre série, et encore une fois nous avons bien ri en voyant à quel point la façon dont était accroché notre setup frôlait le ridicule.

…Mais au moins, ça a tenu! C’est l’important, non?

Dans la même veine que notre série photographique L’Intime, voici quelques photos intéressantes et inédites que nous avions prises presque au même moment.

Tant qu’à faire du macro, nous avons un peu dévié de notre but premier qui était de prendre des photos du corps humain. Nous avons fait des tests avec bien des choses, vivantes ou non.

Des images assez abstraites, mais dont les teintes ont un petit je-ne-sais-quoi harmonieux qu’on trouve bien accrocheur.

Vous aurez donc ici des images d’infimes sections de vieux cendriers en verre soufflé des années 50 de ma grand-mère maternelle (l’éclat de la lumière, mélangé avec les teintes du verre donnent un effet suréaliste intéressant). Ensuite, celui d’une plume d’émeu. Et puis, de Fiston (alias Nuage), notre viril mascotte-chat aimé de tous.

Pour les voir en plus grand, et de façon plus isolées, visitez notre Flickr.

De loin un des artistes, à mon avis, les plus inspirants, voici Olafur Eliasson. L’artiste berlinois, avec son équipe, crée des installations complexes jouant souvent sur les perceptions, les sentiments que les gens vivent lorsque confrontés à ces espaces.

“What is it that makes a space productive? What is it that makes a space challenging and exciting and embrassing (…) and intolerant? What is that?”

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Créer un soleil ou un arc-en-ciel dans un lieu public, jouer avec la vitesse, les illusions optiques, etc… Et ce, pas seulement pour la beauté, mais pour nous faire réagir, nous questionner, nous faire ressentir quelque chose. Des projets d’envergure, certes, mais qui ont un impact.

Voici ici, plus en détail, la démarche derrière ces projets, présentée lors d’une conférence à TED (sont accent est un peu dur à suivre, je vous conseille de mettre les sous-titres):

Si l’on peut décrire une image en 1000 mots, il est également possible de créer 1000 images de cette même image. Ce serait cliché de citer Lavoisier ici, mais oui, tout se transforme. Et cette nouvelle expérimentation avec mon scanner cherche à vous le prouver.

Tout a commencé une journée un peu banale où je me demandais bien ce que je pourrais faire pour m’amuser un peu. Il me fallait un médium et un sujet. Alors j’ai détourné le regard quelques secondes de mon ordinateur et trouvé:

- Médium = mon scanner
- Sujet =  mes lunettes 3d que j’avais gardées à la sortie du cinéma.

Quelques essais, et je me retrouve avec cette image que je trouvais adorable:

(Cette image est crée d’un seul scan en très haute résolution, d’où j’ai utilisé la lenteur du scan pour glisser les lunettes par trois fois pour donner cet effet.)

Me vient ensuite l’idée de la décomposer. Sans cesse. C’est ce que j’aime de l’expérimentation: me laisser porter, sans trop savoir où je m’en vais.

Alors cette simple paire de lunette devient des masques. Puis, un motif ornemental. Puis, carément, une illustration d’un genre-de-phoenix.

Sympa, non?