Ceux et celles qui nous suivent régulièrement le savent : les mises à jour se sont faites très rares dernièrement.

Entre un déménagement, un emploi motivant, des contrats de pige et une vie sociale remplie, ni le temps ni le besoin de créer en surplus ne se sont manifestés.

Notre chimie mutuelle opère toujours, et n’ayez crainte, Gustave demeurera la vitrine commune de ce que nous faisons de mieux.

En vous souhaitant un bel été,

- Caroline & David

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Contacter Caroline directement : caroline [at] gustavestudio.ca

Pourquoi toujours représenter un film sur un écran? The Ice Book ramène le cinéma à un stade primaire où l’histoire est en quelques sorte un réel théâtre miniature. De la magie, en vlà’!

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The Ice Book, projet de Davy & Kristin McGuire, est un court-métrage projeté sur un livre pop-up rétroéclairé. Superbe effet d’ombre et lumière.

Ce qui est génial avec ce projet, c’est que ce court-métrage ne fait pas qu’illustrer un livre, il en est le médium également. Comble du bonheur, le tout a été fait à très peu de matériels et de frais: Canon 5D Mk2, ordinateur, After Effects et un tissus vert en guise de green-screen.

Visitez le site officiel pour plus de détails sur le projet.

Chapeau!

Moment historique assez peu connu de notre côté de la frontière, le voyage en train de la dépouille de Robert F. Kennedy de New York à Washington D.C., le 8 juin 1968, permit au photographe Paul Fusco de prendre des clichés incroyablement authentiques d’une Amérique en deuil.

Le New York Times en a fait un très bel article en 2008. Et n’hésitez pas à aller voir plus de photos sur le site de Paul Fusco.

Vous avez toujours voulu visiter le MoMa, le Tate Britain, le Château de Versailles (et plus encore!), mais cela ne vous adonne pas de faire le tour du monde et de visiter ces endroits? Google  a trouvé la solution: voici le Google Art Project.Une véritable petite mine d’or! Dans une optique similaire à Google Street View, vous pouvez désormais parcourir les musées avec votre souris.

Autant vous pouvez parcourir le musée «à pied», autant vous pouvez voir les oeuvres en détails (informations sur l’artiste et sur l’oeuvre, s’approcher de la peinture ou de la sculpture de très près, etc.).

Bien que les oeuvres accessibles par Google Art Project restent, pour la plupart, des oeuvres classiques, vous aurez de quoi vous rincer l’oeil. Il est même possible de voir quelques oeuvres en détails à un point tel que l’on peut voir les coups de pinceaux! J’espère que ce n’est qu’une question de temps avant qu’on n’aie accès à des oeuvres plus contemporaines.

Allez-y, fouinez!

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Petite touche de jazz de la Nouvelle-Orléans, juste pour vous!

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(Désolée pour les vidéos qui n’ont pas vraiment pas toujours nécessairement de sens avec la musique…)

Un bon vieux classique pour vous titiller (et rire!) comme il faut en ce beau vendredi.

Un peu de fierté canadienne s’il-vous-plaît! The Four Lads est l’un de nos groupes-phare des années 50.

La chanson Istanbul a été reprise dans les années 90 par They Might Be Giants. On ne comprend pas vraiment le raisonnement derrière les paroles, mais ça fait bien rire et tout le monde est content. Je vous laisse écouter l’original:

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Dernier projet photo pour la session d’automne. Ambiguïté, c’est une petite exploration avec l’eau, la couleur et la transparence.

En général, si on nous demande de photographier une vitre, les sources de lumières sont celles de la rue, de l’extérieur. Qui n’a pas vu ces images prises de l’intérieur d’une auto, un soir de pluie, avec des halos de lumières… Je me suis inspirée de ce phénomène et de cette constante en photographie pour le recréer de façon complètement calculée.

J’ai donc pris une plaque de verre (celle d’un cadre) et l’ai fixée debout, sur la plaque de notre cuisinière. J’ai amplement diffusé la lumière du fluorescent à l’arrière. Et, munie de tubes d’aquarelle et d’un vaporisateur, j’ai tracé diverses lignes de couleurs directement sur le verre et vaporisé une bruine d’eau, les faisant dégouliner de part et d’autre de la surface.

Le résultat est assez satisfaisant puisqu’il garde un aspect naturel même si notre oeil fini par constater que quelque chose cloche dans l’image. Les gouttes d’eau (et la peinture), ne descendent pas, mais montent dans l’une et descendent dans l’autre. L’aspect des gouttelettes varie également, puisqu’il y a de l’eau de chaque côté de la vitre.

Ce type d’image, souvent déprimante, gagne ainsi en gaieté avec le jeu de couleurs, tout en restant sobre dans l’ensemble.

Magnifique bijoux de métal de l’artiste australien Toby Jones. Des objets attachants, empreints de notre quotidien, de nos souvenirs.

Il faut que j’avoue que j’ai un énorme coup de coeur pour celui-ci, en forme d’allumette…!

via We are selecters

Petit projet de photo relativement simple : voici l’intérieur d’un kaléidoscope.

Nous avions comme contrainte de prendre un artiste connu et de faire une série de photographies faisant référence (de près ou de loin) à l’une de ses oeuvres. J’ai fait ni une ni deux et choisi Damien Hirst, avec sa très belle et très controversée série Superstition (fouinez là-dessus si vous ne connaissez pas cette série!). Sans avoir à décapiter de papillons ni faire de vitraux d’église, j’y ai été beaucoup plus simple et rappelé ce monde de couleurs et de symétries avec l’intérieur d’un kaléidoscope.

Une petite lumière DEL (vous savez, sur les porte-clé-lampe-de-poche…) placé à l’extérieur du kaléidoscope aide à révéler tout le détail de l’intérieur et crée un effet assez joli et différent de ce que l’on voit habituellement à l’oeil nu.

Réalisé avec David à l’aide du matériel photo de Yan, pendant un bel après-midi relax chez nos hôtes Yan et Célia. Merci à vous deux!

Pour voir la série complète (15 images), visitez notre compte Flickr!

Pour ceux que ça intéresse, voici les méthodes et les diverses étapes de mon travail pour mon installation. Ce travail a été fait à temps partiel sur une durée de 3 semaines, avec beaucoup d’amour.

J’ai toujours été une grande admiratrice des vitrines des magasins Anthropologie. C’est le meilleur exemple pour démontrer qu’il est possible de créer des éléments tellement beaux et complexes avec des matériaux tellement anodins et économiques que nous n’aurions jamais pensé les utiliser dans une oeuvre. Et étant donné mes ressources économiques assez limitées, je me suis creusée la tête un petit peu pour finalement aboutir avec les matériaux suivants: boîtes de conserves, lumières de Noël, tissus variés, saran wrap et papier journal.

Le lieu s’est imposé de lui-même, ayant besoin d’un espace très restreint pour le modifier complètement et se devant d’avoir beaucoup d’éléments. Ce fut donc dans une toute petite pièce derrière une cage d’escalier dans la maison familiale. La pièce est en forme de L. La partie en entrant dans la pièce est assez basse, et à l’autre extrémité, il y a l’espace de deux adultes pouvant se tenir aisément debout. Il fallait prendre en considération les obstacles que causaient le réservoir à eau chaude et l’aspirateur central.

Toutes les parois furent recouvertes de tissus très foncé, variant du vert forêt au bleu marin, en passant par le violet et le turquoise. Le plancher fut recouvert de coussins et d’un futon.

Plusieurs jeux de lumières de Noël à dominante bleu et vert furent installés sur le plafond bas et le plafond haut. Le principal attrait et source de lumière se devait d’être au plafond, voulant obtenir un aspect contemplatif tout en gardant une part de vérité (sous l’eau, la lumière provient uniquement du dessus).

Le plafond bas est comblé d’une multitudes de cônes en papier journal, diffusant la lumière de façon inégale. Le plafond haut est recouvert d’un tissu laissant passer très légèrement la lumière. En-dessous, on retrouve une «guirlande/plante synthétique» construite de plusieurs sphères de pellicule plastique accrochées les unes avec les autres, créant ainsi des branches translucides très organiques.

Devant travailler avec le métal, j’ai voulu, dès le tout début, utiliser l’aspect réfléchissant de ce matériau. Il prit la forme d’écailles métalliques (faites de boîtes de conserves), servant à illuminer l’une des parois de la pièce, tout en faisant écho au thème principal.

Des rectangles de tissus turquoise métallique sont cousus de manière à être plissés et mis les uns au-dessus des autres, créant quelques ouvertures permettant ainsi à la lumière de passer. Cela rappele vaguement les algues.

Un bouquet de tubes d’organza blanchâtre est directement inspiré d’une plante sous-marine tiré d’un ouvrage sur la vie marine en Méditérannée.

Quelques petites formes rondes et plates faites de tulle sont déposées un peu partout sur le sol de l’installation, semblable à de petits beignets, rappellant une forme de coraux tirés d’un autre livre de référence.

Trois petites sphères en silicone achetées au Dollorama sont déposées sur des lampes de poches, créant une lueur qui semble jaillir directement de la forme elle-même.

Finalement, quelques colonnes de plâtre sont déposées parmis les éléments du sol, comme le serait un stalagmite.

Du temps, du soin, du détail. Une belle expérience!

Enfin! Depuis belle lurette, j’ai voulu créer une installation immersive, et ce jour est arrivé! Le mandat le plus simple du monde (et le plus large!): avoir pour thème «l’espace» et l’interpréter comme bon nous semble. Et c’est ainsi que naquit cet univers magique, fantastique, marin. Quête de profondeurs.

Un monde réel qui est tellement différent du nôtre qu’il nous semble tiré d’un roman de fiction. Et malgré ses formes étranges, où l’homme qui s’y aventure flotte littéralement dans l’eau, il en émerge un sentiment de confort inégalé.

Le titre, Quêtes de profondeurs, a été choisi selon trois niveau niveau de lecture.

- Tout d’abord, en lien direct avec la profondeur physique illustrée par l’univers créé et qui illustre une certaine dimension spatiale.

- Ensuite par référence à la profondeur de champ, en photographie, où les objets sont distincts ou non, dépendamment de la distance. J’espère ainsi créer un espace contemplatif, où les gens pourront y scruter toutes ces formes hors du quotidien disposés sur divers plans.

- Enfin, j’espère créer une profondeur au niveau de l’esprit, puisque j’attend du spectateur d’être assez confortable et douillet dans cet espace pour vouloir s’y étendre, et vider son esprit afin d’y laisser transparaître des réflexions sur soi ou laisser submerger des souvenirs enfouis avec le temps.

D’un point de vue plus personnel, le fait que l’installation prenne vie sous un escalier fait écho à mon vécu. Ces espaces non-finis et «fourre-tout» de la maison familiale sont une véritable mine d’or pour un jeune enfant à l’imagination débordante. C’est un lieu de découvertes et d’amusements. De plus, il ressort de ces petits lieux secrets l’impression d’être dans sa bulle, dans sa forteresse… bref, d’être en plein confort et protégé de tout. Je souhaiterais que les gens utilisent cet espace autant par refuge que par plaisir.

Si vous voulez en savoir plus sur l’espace, les matériaux et les techniques, un article sur le making-of paraîtra sous peu.

Les images sont également disponibles sur notre compte Flickr.

Incapable de ne plus écouter en boucle la nouvelle chanson d’Adele, Rolling in the deep. J’adore!

Une superbe réalisation, avec une foule de détails dans les prises de vue qu’il est bon apprécier  à chaque écoute.

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Voici Make Mine Music, une compilation de dix petits chefs-d’oeuvre d’animation de Disney, datant de 1946.

Pour vous amener dans le côté historique de la chose, nous vous avons présenté recémment, avec notre superbe vidéo de Noël, Santa’s Workshop (1932), le tout premier Silly Symphony. Ce type d’animation de Walt Disney, qui revient à plusieurs reprises dans les années 30, relate principalement des histoires littéraires connues (Les Trois Petits Cochons, Le Vilain Petit Canard, etc.) avec une bonne grosse dose de chansons Disneyennes. Ils étaient si populaires à l’époque qu’ils gagnaient chaque année l’Oscar de la meilleure animation. Et ils donnèrent naissance par la suite aux Looney Tunes, de leurs concurrents chez Warner Bros.

Puis vint la Seconde Guerre mondiale, et comme la plupart des employés de Disney durent aller au combat, plusieurs projets majeurs furent mis en veille. Et comme les temps étaient difficiles, ils choisirent de sortir quelques coffrets de courtes histoires, dont Make Mine Music fait partie.

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Et parce que je l’aime bien, je vous présente également Little Toot, petit remorqueur rebelle, issu de Melody Time, une autre compilation du même type, sorti en 1948.

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Des petits bonbons pour l’oeil et notre coeur d’enfant!

Petite étude pour le cours de photographie, devant porter sur le ready-made.

Les deux images sont faites avec une caméra argentique. À noter que ce n’est pas un «inversé» que j’ai fait, mais réellement pris en photo la même composition sur fond blanc, à la lumière naturelle, et la seconde dans l’obscurité, avec quelques coups de flash.

[Petite mise en contexte ici] Ceux qui me connaissent sont au courant de ma manie, l’automne venue, de faire 1001 potages. Pourtant trop paresseuse pour sceller sous vide mes cannages, je les congèle… et parfois ils brisent sous la pression! Ils fendent proprement, au moins, et ce n’est pas trop grave… Bref, tout ça pour dire que j’ai choisi mes fragments de pots Masson brisés pour les placer dans une composition et les prendre en photo.

Les deux images amènent une fragilité et un contraste assez intéressants. Une expérimentation pas trop compliquée au regard, mais qui m’a demandé un temps fou en chambre noire (principalement pour l’image foncée)! Comme quoi tout projet nous pousse à nous dépasser un peu plus techniquement à chaque fois.

Pour visionner en plus grand, n’hésitez pas à consulter notre compte Flickr!

C’est le début de la série «Tape dans le dos»: mes coups de coeur des projets artistiques des étudiants de l’UQAM. Autrement, ces projets resteraient encloisonnés dans les murs de l’Université, alors pourquoi ne pas vous les partager? Je vous présente ici Gabriel Breton, avec son projet, Inimaginable.

Nous trimballons la musique un peu partout où nous allons et elle finit par faire partie de notre vie, de notre quotidien. Prenant énormément de place, notamment avec les millions d’iPod de ce monde, il est encore plus difficile aujourd’hui de s’imaginer vivre privés de cette musique portable comme il y a quelques décennies à peine. Mais à quoi ressemble la vie des gens qui, malentendants, en sont privés peu importe l’époque? Et pour quelqu’un qui, sourd depuis la naissance, n’y a jamais eu accès, comment pourrait-il comprendre ce que c’est? Inimaginable, en effet.

C’est ainsi que Gabriel a tenté, par ce propos, d’illustrer ce manque.

Des écouteurs gigantesques. Des mains qui, grâce au langage des signes, illustrent le Do, Ré, Mi, Fa, Sol, La, Si, Do. Plus les mains s’éloignent de l’écouteur, plus elle s’estompent et semblent se fondre littéralement dans le plancher. Un peu comme le son qui, plus on s’en éloigne, s’amenuise.

Intéressant et contradictoire à la fois que les signes existent pour un son qu’ils ne peuvent percevoir…

J’adore la façon qu’il a pu, à moindre coût, représenter les écouteurs. Et les vinyles qui, coupés, viennent former les coussins noirs.

Une très belle interprétation. Un beau sujet. Simple et efficace.

Bravo!